摄影师的洞察力：迈克尔·弗里曼解读经典摄影名作

百余幅不同类别经典摄影名作呈现大师功底

现当代国际摄影大师，图书发行量过百万作家迈克尔·弗里曼倾力写作

独特视角剖析名作成功所在，深入分析经典作品表达技巧

重建拍摄现场，带领读者体验经典名作的拍摄之路

对于有着崇高追求的摄影师而言，学会阅读照片与掌握拍摄技巧同等重要。摄影师不仅要看照片，还要能看懂照片。阅读经典摄影作品，了解伟大的摄影家，是提升摄影水平的最棒途径。本书从历史脉络审视摄影，将有助于摄影师寻找个人的发展方向，而观看者则能从评论者与史学家的高度进行思考，更深入地认识影像的内涵。

前言

第1部分瞬间的艺术

照片是什么？不是什么？

是什么成就了好的摄影？

好摄影作品的特性

观众的影响

摄影的创作过程

摄影的全球化

如何阅读摄影作品

第2部分理解拍摄意图

摄影的类型

风景摄影

建筑摄影

人像摄影

报道摄影

野生动物及自然摄影

体育摄影

静物摄影

时尚摄影

科学摄影

摄影的呈现形式

单幅印制的照片

主题摄影展

单幅发表的图片

图片故事

摄影图书

幻灯片放映

网页和电子图书

从捕捉到观念

现代主义和超现实主义

不一样的生活

争论

新闻价值

探索

虚构

造假

观念

第3部分摄影师的技术

制造惊喜

独特的观察方式

出人意料的反差

保留悬念

创造联系

拍摄技巧

亲自动手

完美的不完美

反应

时机

干预

构图技巧

有决定性的拍摄对象

知道什么可行

构图风格

对构图的怀疑

彩色与黑白

彩色摄影的艺术评论问题

黑白摄影的动态

布光

图片版权

参考文献

照片是什么？不是什么？
直接源于真实生活
虽然相机可以用来创造图像(尤其是摄影室摄影作品)，但摄影的最大长处是能够以周边的物质世界为素材来源。这提高了拍摄对象和事件的重要性，而对事物的记录显然是摄影的过人之处。抓拍的简易性也降低了精确再现的价值，因为这已经变成了再平凡不过的事情——这与以前人们对绘画的看法完全相反，达·芬奇曾在他的笔记中写道：“如实再现的绘画是最值得赞赏的。”相反，摄影师对现实进行记录的方法——即风格和处理方式——则显得更重要。
在更深的层面上，再现真实和完全脱离真实两者之间有着固有的矛盾。其他艺术，如绘画、诗歌和音乐，显然都是创造性的艺术。任何人都会毫无疑问地认为一首诗或一首歌源于其创作者，而不是源于其他什么东西，而它们所描述的生活经验都是经过想象力过滤的，这个过滤过程需要～定的时间。在这一方面，摄影却会产生混淆。大部分情况下，摄影图像都显然是真实的场景、物体或人物，它可以保留真实的画面，让观众可以在与其毫不相关的环境下静静地观看。它来自真实生活，同时又脱离真实生活。这种矛盾提供了许多探索的可能性，很多当代艺术摄影作品都做出了这方面的尝试，包括制作建筑模型来虚拟现实生活。
快速简单
摄影可以考察和捕捉生活的每个方面——而且随着器材的进步而不断发展。举个例子，图像传感器对感光程度的增加让夜景和弱光摄影变得更容易。这看上去理所当然，但却是摄影极高的普及性背后的强大推动力。拍摄照片几乎不需要做什么准备，这意味着人们有很多机会进行创意表达。数码相机在技术上使摄影创作变得更简单、更可靠，也让人们把更多的注意力集中在构图和个人观点上。或者说，它至少应该能起到这样的作用，假如不被这件用于拍照的“闪闪发亮的玩意”分散注意力的话。“摄影是最简单的艺术”，摄影家莉赛特·莫德尔(LisetteModel)写道，“这也许让它成为最难的艺术。”从时间和工作方面看，摄影的工艺无疑比其他视觉艺术简单，这是一个许多专业摄影师难以自辩的现实。但就摄影本身来说，其创作行为其实还延伸到对已拍摄照片的检查和筛选，这被称为照片编辑。除此以外，图像的后期处理和印刷也是拍摄之后的重要创作过程。
人人都可以拍摄
这一点从来没有在以前的艺术形式中发生过。现在，几乎全世界的人都在摄影，而且他们不仅仅是拍下自己的家庭生活。现在的情况不再是艺术家和专家在一边，而观众在另一边了。数码相机、互联网共享的兴起和传统印刷媒体的衰落让摄影成为每个人的创意表达工具。这些数以百万计的摄影师们并不觉得自己会被部分人的观点所局限。很多人都会赞同其他摄影爱好者的观点，因为观众和摄影师往往是同样的人。所有的这些让当代摄影变得非常宽泛和复杂，有着不同的、互相冲突的标准和价值观。创作好的照片并不取决于职业规划，这对所有非专业人士来说当然是个好消息。而不好的地方在于，大量的图像会让出色的判断力犯糊涂，而互联网上则图片泛滥，让人无从选择。
……

近些年来，摄影有了长足的发展。这在应用方面的表现尤为明显：数码摄影覆盖了人们生活的各个方面，其应用面甚至比想象的还广。然而，在欣赏方面，摄影的发展似乎没有这么明显。其中的一个原因是自20世纪70年代以来，摄影逐步被认为是一种完全成熟的艺术形式。这又反过来引起了一种多米诺效应，即大部分人不把摄影视为一种艺术，尽管它的展出、收藏和欣赏方式基本与其他艺术形式相同。另一个原因是进行严肃摄影创作的人越来越多，他们拍摄的目的是为了进行创意表达，而不是取得一些家庭朋友之间的日常快照。因此，人们对摄影创作的反应往往是“我也做得到”，而其他所有艺术形式都不会遭受这样的待遇。
也许有人会想，随着摄影逐渐被每一个人方便享用，人们将从小就会接受摄影教育，就像文字读写一样。事实远非如此。虽然此时此刻我无法完全纠正这种想法，但审视摄影的整个谱系以了解其丰富性是相当有价值的，尽管这个谱系内的不同部分很少被人们视为一个整体。关于摄影的著作常常被认为带有偏向性，艺术摄影往往被认为是独立于新闻摄影、广告摄影等摄影门类的。笔者不明白为什么会这样，尤其是现在，各种摄影类型似乎正在迁移。如今，美术馆会收藏时装摄影作品，广告会使用新闻摄影作品，风景摄影会牵涉社会问题。和越来越多的人一样，我喜欢把摄影视为一个整体。
然而，摄影正面临关于其本质的争论。在最近30年里，这个争论一直存在，并越演越烈，关键问题在于摄影的本质是捕捉现实还是创造神奇的影像(不管它们来自现实还是想象)。捕捉现实是摄影固有的能力，只要需要，就能以事件、人物、风景作为原材料，一切都可以几乎不受拍摄者的干扰。这时，摄影师的角色是见证者、旁观众。然而，纵观整个摄影历史，一直有些摄影师致力于探索被构建、指引和创造出来的影像。情景摆拍摄影(tableauphotography)被用于叙事；超现实摄影对处理工艺、拼贴和暗房影像混合进行试验；静物摄影会对拍摄对象进行布置。这么说来，为什么要有原则上的区分呢？
人们往往把其中的变化理解成非此即彼的东西。镜头前面发生的事情，要么真的和照片所见的一样，要么是另外一种摄影，即镜头前的事物都是经过摆布的。摄影的暗房工艺对这两种类型的区分起到了很大的作用，但试图通过巧妙处理来改变现实的，只是极少数的例外。然而，对于很多人(也许是大部分人)来说，这种区别已经消失了。这一改变有两个原因，首先当然是数码摄影的兴起和流行，其次是观念摄影已成为一种有效的摄影方向，受到广泛的推广和接受。观念摄影在20世纪初已经显露雏形，但直到20世纪70年代才真正成熟。
“观念高于真实”这一要旨允许摄影者利用技术来改变图像的本质。这些技术——数码技术——正不断涌现，但它们已经非常成熟、精妙，以至可以做到毫无处理痕迹。然而，最重要的改变也许是这些技术的运用在大部分情况下都不会被认为是欺骗。对很多人来说，照片是否真实并不重要，重要的是照片是否巧妙，是否吸引视线。当然，并非每一个人都喜欢这样的技术处理，但这的确是当代摄影的现实，它需要配以解释说明。又或者，至少需要尝试把“作为图画的摄影”和“作为记录的摄影”进行融合。这也是编写本书的目的之一，在这本书的框架下，读者可以对各种形式的摄影进行阅读、欣赏和评价。